{"id":3898,"date":"2025-08-22T14:03:21","date_gmt":"2025-08-22T12:03:21","guid":{"rendered":"https:\/\/www.kunsthaus-erfurt.de\/?p=3898"},"modified":"2025-08-21T17:33:35","modified_gmt":"2025-08-21T15:33:35","slug":"bluehend-brechender-halt","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.kunsthaus-erfurt.de\/?p=3898","title":{"rendered":"BL\u00dcHEND, BRECHENDER HALT"},"content":{"rendered":"\"\"<\/a>\n

Simone Karl<\/span><\/h3>\n

27.06. \u2013 22.08.2025<\/p>\n

Er\u00f6ffnung: Freitag, 27. Juni 2025, 20 Uhr
\nBegr\u00fc\u00dfung: Monique F\u00f6rster, k\u00fcnstlerische Leiterin Kunsthaus Erfurt
\nEinf\u00fchrung: Anna Maria Linder, Kunsthistorikerin
\nGef\u00f6rdert durch das Th\u00fcringer Ministerium f\u00fcr Bildung, Wissenschaft und Kultur und die Kulturdirektion der Stadt Erfurt. Mit freundlicher Unterst\u00fctzung der Galerie HAMMERSCHMIDT+GLADIGAU.<\/p>\n

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bl\u00fchend, brechender Halt
\n<\/em><\/strong>Simone Karl<\/strong><\/p>\n

\u00a0<\/strong>bl\u00fchend, brechender Halt<\/em>\u00a0\u2013 der Titel der Ausstellung klingt fast wie eine Zeile aus einem Gedicht und f\u00e4ngt zugleich den Kern von Simone Karls k\u00fcnstlerischer Praxis ein: das poetische Ringen mit Spannungen, \u00dcberg\u00e4ngen und der Kraft ambivalenter Zust\u00e4nde. Doch der vermeintliche Halt, der im Titel anklingt, ist kein Ort der Sicherheit, sondern ein prek\u00e4res Innehalten zwischen Aufrichtung und Bruch. Die darin enthaltene Verweigerung klarer Zuschreibungen zieht sich konsequent durch das gesamte Werk.<\/p>\n

Die Einzelausstellung von Simone Karl (*1989) im Kunsthaus Erfurt versammelt Skulpturen, Objekte und raumgreifende Installationen, die verletzliche und zugleich widerst\u00e4ndige K\u00f6rper ins Zentrum r\u00fccken: Tierische H\u00e4ute, florale Motive, stachelbewehrte Metallstrukturen und Lederfragmente verweisen zeitgleich auf Schutz und Aggression, Verwandlung und Verletzung. Die Werke bestehen aus industriellen Komponenten wie Lochband, Draht, Nieten, Stahlringen, Piercings oder Stechschutzsch\u00fcrzen aus dem Fleischereibedarf. Dabei spielt das Material keine rein \u00e4sthetische Rolle \u2013 es ist vielmehr immer Tr\u00e4ger einer Geschichte von Funktion, Macht und Wandel. Karl nutzt Materialien, die Effizienz, Kontrolle und Durchsetzung symbolisieren \u2013 und entzieht ihnen durch Eingriff und Umformung ihre urspr\u00fcngliche Funktion. Was zur Kontrolle gemacht wurde, wird in einen neuen Zusammenhang \u00fcberf\u00fchrt. Kettenhemden werden zu Hautfragmenten, Pfeilspitzen werden zu Fell und Fleischerhaken richten sich wortw\u00f6rtlich gegen den Fleischer. Der Entstehungsprozess selbst ist konzeptueller Bestandteil der Arbeiten: kilometerlange Drahtstr\u00e4nge, tausende Hammerschl\u00e4ge, das systematische Durchbohren, Nieten, Aufbiegen. Die repetitive, ersch\u00f6pfende Geste verwandelt sich in eine Art meditative Manie. Sie schreibt sich in den K\u00f6rper der K\u00fcnstlerin ein und steht f\u00fcr eine Form der Grenz\u00fcberschreitung \u2013 zwischen Kontrolle und Kontrollverlust, Ordnung und Rausch, Disziplin und Hingabe. Jeder Ring, jede Verbindung ist Teil einer Erz\u00e4hlung, die sich durch die Summe kleinster Gesten entfaltet. Dabei \u00f6ffnen sich immer wieder kleine Lichtungen als offene, fragile Zwischenr\u00e4ume, in denen sich widerspr\u00fcchliche Zust\u00e4nde \u00fcberlagern. In diesen Zonen des Dazwischen verhandelt Karl grundlegende Fragen: Was bedeutet es, verletzbar zu sein? Wo verl\u00e4uft die Grenze zwischen Anziehung und Bedrohung, zwischen Verf\u00fchrung und Aufbegehren? Die neue Arbeit\u00a0Lichtung<\/em>\u00a0bringt dieses Spannungsfeld auf besonders pr\u00e4gnante Weise zum Ausdruck. Die Rauminstallation aus Lochband und Nieten umschlie\u00dft mehrere kleine Glasfl\u00e4schchen, die eine fast identisch aussehende gr\u00fcne Fl\u00fcssigkeit enthalten: Maigl\u00f6ckchengift und Maigl\u00f6ckchenparf\u00fcm. Beide Substanzen changieren im sogenannten viktorianischen Gr\u00fcn \u2013 ein im 19. Jahrhundert begehrter Farbton, der aus arsenhaltigem Pigment gewonnen wurde. Er steht sinnbildlich f\u00fcr den Widerspruch zwischen Luxus und Letalit\u00e4t, Begehren und Gefahr. Karl nutzt diese historische Doppeldeutigkeit, um die Ambivalenz in ein subtiles visuelles Spiel zu \u00fcbersetzen: Was anzieht, kann t\u00f6ten; was verf\u00fchrt, kann vernichten. Die Betrachter*innen bleiben im Unwissen \u2013 sie sehen die Fl\u00fcssigkeiten, doch wissen nicht, welche duftet und welche t\u00f6dlich ist. Die Entscheidung bleibt spekulativ, die Konsequenz unklar. Das Werk wird somit zum Sinnbild eines Zustands, in dem Eindeutigkeit verweigert wird.<\/p>\n

In dieser Zwischenzone \u2013 der Lichtung \u2013 verhandelt Simone Karl nicht nur das Verh\u00e4ltnis von K\u00f6rper, Material und Symbol, sondern \u00f6ffnet auch einen Raum, in dem das Menschliche und das Animalische, das Florale und das Metallene, Z\u00e4rtlichkeit und Aggression nebeneinander existieren d\u00fcrfen. Die Lichtung als vermeintlich sicherer Ort im Wald ist zugleich ein Ort des Ausgesetztseins. Es gibt keine Lichtung ohne Dunkel. Hier wird sichtbar, was im Verborgenen liegt. Es ist ein Raum der Enth\u00fcllung, aber auch der Unsicherheit. Genau hier verortet sich Karls Kunst: in einem Zustand, der nicht aufl\u00f6st, sondern aush\u00e4lt. In einem System, das nicht stabil ist, sondern sich wandelt \u2013 wie die Haut, die man abstreifen, durchdringen oder neu anlegen kann. Karls Werke fordern uns auf, die Ambivalenz nicht als Widerspruch zu begreifen, sondern als Zustand der Gleichzeitigkeit. Ihre Kunst ist kein Kommentar, sondern eine Einladung: die Haut zu wechseln, die Perspektive zu verschieben und sich bewusst in der Lichtung \u2013 diesem prek\u00e4ren Ort des \u00dcbergangs \u2013 aufzuhalten.<\/p>\n

Text: Anna Maria Linder<\/p>\n

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